FAV 2024     -      Éditions précédentes    -    À propos     -     Scolaire      -    Publications  -   Collaborations ReCITYing        




Maire Camille - Le Deunff Viviane - Jeanjean Charlotte

Paris // France



Trois amies, architectes de formation, inspirées par des univers divers réunissant leurs compétences dans le cadre de ce concours.
Camille est une passionnée du bois et de la réhabilitation. Elle travaille à mi-temps dans un atelier bois et réalise des maquettes d’architecture. A côté, elle exprime son côté artistique en rénovant des appartements parisiens. Elle est l’esprit manuel et créatif de l’équipe.
La force de Viviane est sa grande polyvalence, elle sait jongler avec toutes les échelles de projet, du global jusqu’au détail. Elle accorde une grande importance à la matérialité et aux couleurs dans les projets. Elle est l’esprit sensible de l’équipe.
Charlotte, architecte à Rennes diplômée de l’école de Saint Luc à Bruxelles.  Elle travaille aujourd’hui sur les sujets de performance énergétique et carbone, et en particulier sur le réemploi. Elle est l’esprit cartésien de l’équipe.
Ce qui nous plait dans ce concours c’est la concrétisation par la construction d’une idée artistique et émotionnelle développée à trois.

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Three friends, architects, inspired by various worlds bringing together their skills for this competition.
Camille is passionate about wood and rehabilitation. She works part-time in a wood atelier and makes architectural models. Besides, she expresses her artistic side by renovating Parisian apartments. She is the manual and creative spirit of the team.
Viviane's strength is her great versatility, she knows how to juggle all project scales, from global to detailed. She attaches great importance to materiality and colors in projects. She is the sensitive spirit of the team.
Charlotte, architect in Rennes, graduated from the school of Saint Luc in Brussels. She now works in energy renovation and reuse. She is the cartesian spirit of the team.
What we like about this competition is the concretization by the construction of an artistic and emotional idea developed by the three of us.  



LIVRONS-NOUS






Offrez-vous un temps de pause dans cette cour silencieuse et secrète. Notre installation "Livrons-nous" met à l’honneur le livre et la poésie comme supports de transmission d’émotion et de sacralité à travers le temps.
Dans l’époque digitale dans laquelle nous sommes, nos interactions sociales sont régies par le monde virtuel. Notre société a du mal à se déconnecter de ce monde numérique.
Le livre, c’est le réceptacle des œuvres de l’humanité !
L’émotion que procure la poésie est traduite par un tourbillon constitué de centaines de feuilles qui s’échappent d’un livre ancien en lévitation, grand ouvert vers le ciel.
Laissez-vous inspirer et surprendre par cette installation en déposant un poème dans une urne à l’entrée de la cour.
A l’image de ces feuilles qui s’envolent, laissez votre imagination s’exprimer et lâchez prise ! Et si votre poème est tiré au sort, peut-être que vous l’entendrez résonner dans la cour !




Take a moment to reflect on this quiet and secluded courtyard. Our installation "Livrons-nous" honors books and poetry as a medium for transmitting emotion and sanctitude through time. 
In the digital age in which we live, our social interactions are governed by the virtual world. Our society struggles to disconnect from this digital world.
The book is the receptacle of the works of humanity! 
The emotions within a poem are released by the whirlwind of a thousand pages escaping from an ancient text, into the wide open sky. 
Let yourself be inspired and enchanted by this installation by placing a poem in an urn at the entrance of the courtyard.
Like pages flying away, free your imagination and let it run wild! And if you listen closely, perhaps you will hear one of your poems whispering through the courtyard!



COLLECTIVE HAGIJO

LANGBEIN Atidh Jonas, NEUMANN Gianna, ISING Anne-Fleur, UCHSENBERGER Hannah
Munich/Berlin/Weimar, Allemagne // Bruxelles, Belgique  



Hagijo est un collectif de jeunes diplômés en architecture et urbanisme entre Munich, Weimar, Berlin et Bruxelles.

Dans un environnement changeant, nous développons et requestionnons les approches des mode de penser et faire dans notre monde. Nous voyons les villes comme des lieux de rencontre et d’échanges, de convivialité partagée, pourtant anonyme, qui invitent à l’expérimentation et la constitution d’espaces ouverts.
Une ville, c’est plus qu’une simple accumulation fonctionnelle de bâtiments, de personnes, d’infrastructures et d’espaces ouverts. C’est plutôt une sorte de cohabitation diversifiée. La densité et la diversité des habitants ainsi que celles des structures bâties, créent une multiplicité d’espaces ouverts.

Pour cette raison nous soulignons dans nos projets la singularité de la ville (hétérogène), de l’expérimentation, l’engagement non commercial et développons des coopérations avec des partenaires pluridisciplinaires. Ces collaborations nous mettent au défi de réfléchir de manière critique sur les définitions, les idées et les croyances apprises tout en restant ouverts et sensibles à notre environnement de vie et bâti.


Hagijo is a collective of young graduates of architecture and urban planning between Munich, Weimar, Berlin and Brussels.

In changing constellations, we develop and question approaches to thinking and acting in relation to the questions of our designed world. We see cities as places of encounter and exchange, of shared yet anonymous togetherness that invites experimentation and presumption of open spaces.
A city is more than a functional accumulation of buildings, people, infrastructure and open spaces, but rather a diversified cohabitation. The density and heterogeneity of inhabitants, but also of built structures, create a diversity of possibilities.
For this reason, we emphasise in our projects the special value of the (heterogeneous) city, of experimentation and non-commercialised coexistence and cooperate with various partners from other disciplines. These collaborations challenge us to critically reflect on learned definitions, ideas and beliefs while remaining open and sensitive to our living and built environment.

Les Fleurs de la Maladie






Les tests rapides Covid-19 sont devenus nos compagnons constants et les garants de la santé, de la sécurité et d'une conscience légère pendant les deux dernières années de la pandémie. La santé était plus que jamais définie comme le plus grand sanctuaire de notre société, qui s'est immobilisée pour la sauver. Aujourd'hui, un champ de tests Covid-19 sera installé au Trésorier de la Bourse et, selon le vent, se balancera ou s'immobilisera. Il symbolise l'incertitude qu'entraîne cette maladie imprévisible. L'installation "Les fleurs de la maladie" se compose d'environ 1000 fines tiges métalliques solidement ancrées dans une sous-structure, sur lesquelles sont fixés des tests rapides Covid-19. Si les tests Covid-19 apportent une sécurité momentanée, la santé - ou dans ce cas, le terrain - est toujours dans un état fragile qui peut être déséquilibré à tout moment par des facteurs externes.

Veuillez garder vos distances !



Covid-19 rapid tests became our constant companions and guarantors of health, safety and a light consciencen during the last two years of the pandemic. Health was more then ever defined as the greatest sanctuary in our society, which stood still in order to save it. Now a field of Covid-19 tests will be installed at the Tresorier de la bourse and depending on the wind sway or stand still. It symbolises the uncertainty that the unpredictable disease brings.

The installation "Les fleurs de la maladie" will consist of around 1000 thin metal rods which are firmly anchored in a in a substructure while Covid-19 rapid tests are fixaded on top of them. While the Covid-19 tests give momentary security, health - or in this case, the field - is always in a fragile state that can be thrown off balance at any time by external factors.

Please keep your distance!

WOW estudio et Clestudio

PUGA María José, ANDRADE Juan Esteban, MONTILLA Anne Michelle
Panama // Quito, Equateur




L'équipe est composée d'Anne, María José et Juanes.
Anne, architecte panaméenne, créatrice de clestudio. Elle a étudié dans la ville de Panama et a fait son Master d'architecture et d'innovation à Valence, en Espagne. La philosophie de clestudio est d'être organiquement unique, d'être un espace libre de créativité et d'innovation.

María José et Juanes, tous deux architectes et designers équatoriens, ont obtenu leur diplôme en architecture et ont ensuite obtenu leur maîtrise à la MArch School of Architecture & Design de Valence. Fondateurs de WOW estudio, leur approche de chaque projet, recherche une simplicité des usages et manière de vivre dans un processus créatif. La curiosité et l'innovation les poussent à expérimenter et à créer.
La décision de travailler ensemble est née d’intérêt artistique commun. Mais en même temps, c’est grâce à nos différences et à nos complémentarités, qu’ensemble nous constituons une équipe pluridisciplinaire.


The team is made up by Anne, María José and Juanes.
Anne, Panamanian architect, creator of clestudio. She studied her architecture degree in the city of Panamá and the Master of Architecture and Innovation in Valencia, Spain. The philosophy of clestudio is to be organically unique, being a free space for creativity and innovation.

María José and Juanes, both architects and designers from Ecuador, did their degree in architecture and later received their master’s degree at MArch School of Architecture & Design in Valencia. Founders of WOW estudio, they seek simplicity in the way of living, on the approach of each project and the result of the creative process. Curiosity and innovation drive them to experiment and create.
The decision to work together starts with our common artistic interests. But at the same time, from the different and unique thinking that each one has, complementing them and putting together a multidisciplinary team.


Make a Wish





Les voeux concentrent toute notre force et notre énergie. Ils viennent d’un endroit profond et personnel, étant uniques et irremplaçables. Nous les consacrons généralement à quelque chose de plus grand, d’infini, de sacré et de mystérieux avec l’illusion qu’ils deviennent réalité.
Bien qu’on ne sache pas où vont nos souhaits, l’installation propose de simuler une rivière avec sa forme sinueuse, avec une matière réfléchissante et qui chemine jusqu’à ce qu’elle rencontre un miroir qui, par son reflet, trouve sa connexion avec le ciel infini. Cette rivière nous donne l’opportunité d’y consacrer nos souhaits les plus personnels.
L’installation invite les visiteurs à écrire leurs voeux sur un petit papier rose, à le plier avec la technique de l’origami en forme de fleur et à le déposer dans la rivière infinie. Plusieurs contenants seront disposés le long de la surface, les mêmes qui seront progressivement remplis en fonction de la visite des personnes et des souhaits dédiés. L’installation sera différente tout au long de la journée, il n’y aura jamais deux souhaits identiques mais ils seront tous dédiés à l’infini.


Wishes concentrate all our strength and energy. They come from a deep and very personal place, being unique and unrepeatable. We usually dedicate them to something bigger, infinite, sacred and mysterious with the illusion that they become reality.
Despite not knowing where our wishes go, the installation proposes to simulate a river with a sinuous shape, reflective material that makes its way until it comes across a rounded mirror that through its reflection finds a connection with the infinite sky. This river gives us the opportunity to dedicate our most personal wishes to it.
The installation invites the visitors to write a personal wish on a small piece of pink paper, fold it with an origami technique in the shape of a flower and lay it on the infinite rivers surface. Many transparent container will be located along the surface, the same ones that will be progressively filled by the visitors and their dedicated wishes. The installation will be and will look different throughout the day, there will be never the same wishes but they will all be dedicated to the infinity.



DUBOIS Clémence et ALAUX Mathilda

Paris - Montpellier // France




Clémence Dubois et Mathilda Alaux se sont rencontrées en dernière année d’étude à l’école d’architecture de Montpellier en 2017.
Mathilda Alaux est architecte et a fondé son atelier en 2021. Elle travaille à différentes échelles, et porte autant d’attention à la matière construite qu’au paysage et ses occupants. Elle complète son activité par la pratique artistique du dessin, et questionne la place de l’accident, du hasard et du temps dans le processus de création.
Clémence Dubois est paysagiste conceptrice dans une agence montpellieraine. Dans sa pratique professionnelle les enjeux environnementaux ont une place importante et lui permettent de questionner la relation entre les humains et leur écosystème et à plus grande échelle, les différentes interactions entre vivants.

Leur approche sensible et poétique du projet et leur sensibilité pour le paysage les amènent à collaborer, en complément de leur pratique indépendante, afin d’explorer la transversalité entre architecture, paysage et création artistique.


Clémence Dubois and Mathilda Alaux met them when they were in their last year at the architecture school of Montpellier, back in 2017.
Mathilda Alaux is an architect and founded her agency in 2021. She works at different levels and is a very detail-oriented artisan, whether it is in the materials she uses or in the attention she pays to the surroundings and inhabitants where her works take place. Her creativity is also enlightened by her drawing practice, where she questions the role of accidents, of chance and time in the creative process.
Clémence Dubois is a landscape designer in an agency located in Montpellier. Environmental challenges take a large share of her professional practice, enabling her to question relations between humans and their ecosystem, and to a larger scale, the various interactions between living elements .

Their sensitive and poetic approach of project building and their thoughtful attention to landscape lead them to collaborate, in parallel of their independant practices, in order to explore transversality between architecture, landscapes and artistic creation.



CON-TEMP(S)L(E)-ATION
Un temple du temps.




L’installation questionne le temps, la perception que nous en avons et son impact sur le rapport à notre environnement. Elle propose de reconstruire un lien sensible avec le temps, peu à peu dissous dans nos sociétés contemporaines. À l’accélération, l’urgence, et la vitesse, s’oppose aujourd’hui un mouvement vers la lenteur. Nous souhaitons engager le corps du visiteur dans la contemplation du temps qui passe à travers un rite par le dessin : Il retire ses chaussures et les dépose à l’extérieur du sol blanc central, où sont projetées les ombres de branchages. En mouvement tout au long de la journée, le visiteur dessine le contour de ces ombres, qui viendront peu à peu recouvrir la surface, vers une saturation de lignes qui représentera le temps écoulé. Ainsi les visiteurs participeront à la matérialisation d’un extrait de temps, pensé en relation avec son milieu, replaçant l’homme au sein d’un écosystème vivant complexe.



The installation questions time, the perception we have of it and its impact on our relationship with our environment. It proposes to rebuild a sensitive link with time, gradually dissolved in our contemporary societies. To acceleration, urgency and speed, is opposed today a movement towards slowness. We wish to engage the visitor’s body in the contemplation of time passing through a rite by drawing: He removes his shoes and puts them outside the central white floor, where the shadows of branches are projected. In movement throughout the day, the visitor draws the outline of these shadows, which will gradually cover the surface, towards a saturation of lines that will represent the elapsed time. Thus the visitors will participate in the materialization of an extract of time, thought in relation with its environment, replacing the man within a complex living ecosystem.


SPÍNOLA Vicente

Porto // Portugal




Vicente Spínola vit et travaille à Porto au Portugal.
Il a étudié l'architecture à Porto (FAUP) et à Darmstadt (TU-D), diplômé en 2008. Depuis, il a développé son activité à Copenhague, Madrid et Porto.
Il est co-fondateur de FRACTAL, une plateforme culturelle qui accueille un festival d'art urbain basé à Funchal au Portugal, où il travaille en tant que directeur créatif, manager et comme une sorte de factotum.
Avec sa formation d’architecte, il crée des installations spatiales et des sculptures. Celles-ci se concentrent sur l'expérience du visiteur, s'appuient sur des effets d'optique et explorent la phénoménologie de son espace.

Estimant que l'architecture doit être en relation profonde avec son environnement, utilitaire mais aussi ludique et expérimentale, sa pratique explore les sujets de la durabilité, de l'éphémère, de la flexibilité et de l'économie de moyens, que ce soit conceptuellement ou dans la forme construite.


Vicente Spínola lives and works in Porto, Portugal.
He studied architecture in Porto (FAUP) and Darmstadt (TU-D), graduated in 2008. Since then, he has developed his activity in Copenhagen, Madrid and Porto.
He is the co-founder of FRACTAL, a cultural platform that hosts an urban art festival based in Funchal, Portugal, where he works as a creative director, manager and as a kind of factotum.
With his formation as an architect, he creates spatial installations and sculptures. These focus on the visitor's experience, rely on optical effects and explore the phenomenology of its space.

Believing that architecture must be in deep relationship with its environment, utilitarian but also playful and experimental, his practice explores the subjects of sustainability, the ephemeral, flexibility and economy of means, whether conceptually or in the constructed form





TWO POINT FIVE PLANETS   /   DEUX POINT CINQ PLANÈTES






En référence à la fragilité des équilibres, cette installation fait allusion à la crise climatique imminente, notamment due à la surexploitation des ressources de notre planète, où il faudrait 2,5 planètes pour supporter le mode de vie actuel de l'Européen moyen.
Le thème du sacré est présent sous une forme qui est sacrée dans de nombreuses cultures; le totem, ou une colonne symbolique. Le totem est composé de cinq demi-sphères empilées asymétriquement. Le visiteur doit prendre conscience de la fragilité de cet équilibre chaque jour plus remis en question.
La perception de la pièce change avec l'exploration de l'espace. Le visiteur est obligé de trouver sa perspective la plus agréable, correspondant à sa vision personnelle du monde.
Un effet graphique est créé, réagissant au milieu environnant. Lorsque le visiteur est confronté au titre de l'œuvre, un mouvement interne peut le contraindre à prendre davantage conscience de sa position dans le monde.



With a reference to the fragility of equilibriums, this installation alludes to the impending climatic crisis, particularly due to the over-expenditure of our planet’s resources, where we would need 2,5 planets to support the average European’s current lifestyle.
The theme of sacredness is present in a shape that is sacred to many cultures; the totem, or a symbolic column. The totem is composed by five half-spheres piled asymmetrically. The visitor should become aware of the fragility of this balance which is every day challenged further.
The perception of the piece changes with the exploration of the space. The visitor is compelled to find their most pleasing perspective, fitting with their personal world view.
A graphical effect is created, reacting to the surrounding environment. When the visitor is confronted with the title of the piece some internal movement can compel them to be more aware of their position in the world.


FABRICARÉ

TORRES MARTINEZ Jorge et BERALDIN Christophe
Pantin // France


“Réaliser, créer de ses mains. Fabriquer un lieu, une intention, un évènement, un outil.Transformer la matière et les situations”

fabricaré a été créé par Christophe Beraldin et Jorge Torres Martinez en 2022, avec le dessein d’explorer l’architecture à la confluence des disciplines.
Nos expériences partagées, entre l’Espagne, l’Italie, le Mexique et la France au sein de différentes agences permettent à l’atelier une ouverture d’esprit couvrant un spectre large de programmes et d’échelles.
Jeunes architectes, notre méthodologie nous permet de maintenir une curiosité, une volonté d’innover tout en apprenant chaque jour au contact d’autres professionnels.
Cette démarche architecturale permet à l’atelier de considérer de nouveaux territoires dans une vision impliquant à la fois des questions écologiques, sociales, urbaines et fonctionnelles.
L'atelier cherche à répondre aux questions environnementales en adaptant une démarchedurable dans le projet en accord avec son territoire, le savoir-faire local et les matériaux in-situ.


“To assemble, to create with our hands. To fabricate a place, an intention, an event, a tool. Transform matter and situations”

fabricaré was founded in 2022 by Christophe Beraldin and Jorge Torres Martinez, with the aim of exploring architecture at the confluence of disciplines.
Our shared experiences, between Spain, Italy, Mexico and France within different architectural firms gives us an open-mindedness covering a wide scope of programs and scales.
Young architects, our methodology allows us to maintain a curiosity and a desire to innovate while learning every day in contact with other professionals.
This architectural approach allows us to consider new territories with a vision involving ecological, social, urban and functional issues.
The workshop seeks to respond to environmental issues by adapting a sustainable approach to the project in accordance with its territory, local know-how and in-situ materials.

Pyramis Musicam



La sacralité libre d’interprétation prend corps dans cet assemblage à la croisée du symbolique formel, de la musicalité et de la lumière.
La géométrie, le son et la lumière dictent l’installation et font transparaître dans ce projet la multiplicité du sacré.
-La recherche de la pureté géométrique visible dans de nombreuses civilisations passées et contemporaines est à notre sens un des éléments majeurs de la sacralité.
-Dans chaque rite, mise en scène ou cérémonie, le rythme, la musique, le son accompagnent le mouvement.
-Insaisissable, la lumière reflète et apporte une dimension sacrée. Sa mise en scène et son orientation permettent d’augmenter l’intensité du lieu.
Dans un premier temps de manière passive, la structure laisse apparaître la pyramide visuellement. Dans un deuxième temps: le badaud traverse les tasseaux pour une interaction active au coeur du pavillon.
Cette installation tente d’offrir une expérience au choix, ludique et sensorielle, calme en contemplation et chantante en interaction.

The freedom of interpretation of sacredness takes shape in this architecture structure at the crossroads of formal symbolism, musicality, and light. Geometry, sound, and light are the three principles of the installation and reveal in this project the multiplicity of the sacred.
-The pursuit of geometric purity, visible in many past and contemporary civilizations, is in our view one of the major elements of sacredness.
-In every ritual, staging, or ceremony, rhythm, music, and sound is played in movement.
-Light reflects and brings a sacred dimension. Its staging and orientation can increase the intensity of the space.
At first passively, the structure reveals the pyramid visually. In a second stage, the onlooker goes through the slats for an active interaction at the heart of the pavilion.
This installation attempts to offer a choice of experiences, playful and sensory, calm in contemplation and singing in interaction.




LoCo Architectes

DIVOL Corentin et RAINEVAL LOÏC
Montpellier // France



Nous sommes LoCo Architectes, deux amis vibrant à l’unisson. Anciens étudiants de l’ENSA Montpellier, nous avons développé notre complémentarité au travers de nombreux projets, notamment celui du diplôme, avec une démarche toujours à double entrée, le grand paysage et l’existant, la ruine.
Aujourd’hui côte à côte dans une agence à Montpellier, nous développons en parallèle notre association professionnelle. Nous défendons une architecture qui se veut engagée dans les défis de notre génération. L’humilité et la générosité sont maîtres dans notre travail. Le sensible trouve naturellement sa place dans notre réflexion et guide nos desseins. Que ce soit un paysage de terre ou de pierre, nous portons une attention bienveillante au déjà-là. C’est avec un contexte, ses qualités et ses défauts, que nous composons.
Le Festival des Architectures Vives sera pour nous l’occasion de mettre en valeur un lieu imprégné d’histoire au travers de la sacralité.


We are LoCo Architects, two friends who share the same passion. Former students of ENSA Montpellier, we have developed our complementarity through numerous projects, including the diploma, with a double entry approach, the large landscape and the existing, the ruin.
In conjunction with working in an architecture studio in Montpellier, we are developing our professional practice by defending architecture committed to our generation's challenges and that of the future. Humility and generosity are masters in our work. Sensitivity naturally finds its place in our reflection and guides our intentions. Whether it is a landscape of earth or stone, we pay benevolent attention to the already there. It is with a context, its qualities and its defects, that we compose.
The Festival des Architectures Vives will be an opportunity for us to highlight a place steeped in history through sacrality.



TRUTHS / VÉRITÉS




La sacralité est inhérente à la recherche d’une vérité. Les cultes, aussi variés soient-ils, s’établissent et se distinguent par la vérité qu’ils donnent à la sacralité. Le projet que nous proposons cherche à déconstruire le rapport exclusif à la sacralité, et appelle à la tolérance.

Par-delà un corridor obscur, l’allégorie de la sacralité que nous formulons est décomposée en deux éléments : un cœur, représentant la notion de sacralité dans son universalité, et la peau, représentant la vérité projetée sur ce cœur. Cette vérité ne sera pas unique, mais multiple, animée par le va-et-vient des visiteurs. La sacralité prendra ainsi autant de formes qu’il y aura d’êtres dans la cour de la Petite Loge.




Sacredness is inherent in the search for truth. Cults, however varied, are established and distinguished by the truth they give to sacredness. The project we propose seeks to deconstruct the exclusive relationship to sacredness, and calls for tolerance.

Beyond an obscure corridor, the allegory of sacredness that we formulate is broken down into two elements: an heart, representing the notion of sacredness in its universality, and the skin, representing the truth projected onto this heart. This truth will not be unique, but multiple, animated by the comings and goings of visitors. Sacredness will take as many forms as there are beings in the courtyard of the Petite Loge.



LAFLEUR-CHARTIER Christophe

Montréal // CANADA



Après avoir complété une formation technique en bâtiment, Christophe entame en 2012 ses études supérieures d’architecture à l’Université Laval (Québec). Il y obtiendra son baccalauréat en 2015 (licence) et sa maîtrise (master) en 2017.
En 2015, il s’établit pour 6 mois au Sénégal, où il complète le dernier semestre de son baccalauréat au Collège Universitaire d’architecture de Dakar.
À la fin de sa maîtrise, il remporte la Médaille étudiante de l’IRAC (Institut royal d’architecture du Canada) pour l’excellence de son projet de thèse finale.
En 2018, il déménage à Montréal et commence à travailler chez Saucier+Perrotte architectes. Il y travaille depuis lors, œuvrant principalement sur des projets culturels/institutionnels de grande envergure.
En 2021, il devient membre de l’Ordre des architectes du Québec (OAQ) et obtient ainsi le titre d’architecte. Dans ses temps libres, il travaille sur divers projets personnels (concours d’architecture, projets de recherche/projets artistiques).


After completing a technical training in building construction, Christophe began his architecture studies in 2012 at Laval University (Quebec). He obtains there his baccalaureate in 2015 (license) and his master's degree (master) in 2017.
In 2015, he travelled for 6 months in Senegal, where he completed the last semester of his baccalaureate at the Collège Universitaire d’architecture de Dakar.
At the end of his master's degree, he won the RAIC (Royal Architectural Institute of Canada) Student Medal for the excellence of his final thesis project.
In 2018, he moved to Montreal and began working at Saucier+Perrotte architectes. He has been working there ever since, working mainly on large-scale cultural/institutional projects.
In 2021, he became a member of the Ordre des architectes du Québec (OAQ) and thus obtained the title of architect. In his spare time, he works on various personal projects (architecture competitions, research projects/art projects).
The Festival des Architectures Vives in Montpellier is both an opportunity and a challenge to achieve this.


ici, fût.




ici, fût., évoque délicatement les traces d’une présence humaine ancienne. Est-ce les restes d’un lieu de culte abandonné ou ceux d’un simple abri de nomades?
En matérialisant ce mystérieux aura associé aux vestiges humains, l’installation cherche à sensibiliser l’observateur sur la fragilité de notre passage sur terre.
Ceux qui furent et ceux qui seront : nos ancêtres et notre descendance... Une notion qui semble avoir déserté nos esprits contemporains au profit du moi, au profit du présent.
Minimale, l’installation mise sur la puissance des symboles architecturaux communs afin de s’ancrer dans le domaine de l’universel évitant ainsi toutes attaches culturelles spécifiques.
D’un caractère théâtral, le projet met en scène de simples artéfacts humains. Ces « restes », dépouillés de leur matérialité première, quittent le statut d’objets usuels pour devenir des témoins abstraits.
Concrètement, l’installation se compose de trois longues perches noires, de trois tabourets cylindriques noirs et d’une «carpette» blanche.



ici, fût., delicately evokes the traces of an ancient human settlement. Is it the remains of an abandoned place of worship or those of a simple nomadic shelter?
By materializing this mysterious aura associated with human remains, the installation seeks to make the observer aware of the fragility of our passage on earth.
Those who were and those who will be: our ancestors and our descendants... A notion that seems to have deserted our contemporary minds in favor of the self, in favor of the present.
Minimal, the installation relies on the power of common architectural symbols in order to anchor itself in the domain of the universal, thus avoiding any specific cultural ties.
Theatrical, the project stages simple human artefacts. These «remains», stripped of their primary materiality,


Atelier AJAM

MOINE Loïc, BASTIDE Joël, GADOIS Florent, MAGNE Lucien, PICHON Charles
Paris, Montpellier // France



Fondé en 2021, l’atelier d’architecture AJAM est composé de cinq architectes D.E. : Joël Bastide, Florent Gadois, Lucien Magne, Loïc Moine et Charles Pichon. Implanté à Montpellier et Paris, les projets menés sont de natures variées, inscrits dans divers territoires, avec une approche constamment attentive au lieu. Exerçant dans un monde en perpétuel mouvement, l’approche menée s’éloigne des effets de mode, ou encore des évolutions technologiques. L’atelier privilégie l’exploration des modes constructifs et des ressources matérielles, aspirant à développer une architecture lisible, inscrite dans une réalité économique.


Founded in 2021, the architecture studio AJAM is 5 architects : Joël Bastide, Florent Gadois, Lucien Magne, Loïc Moine and Charles Pichon. Located in Montpellier and Paris, the projects carried out are varied, in various territories, always with an approach in close relationship with its environment. Working in a world in perpetual movement, the approach is thoroughly thought and avoids all vogue and technological trends. The studio favors the exploration of constructive modes and material resources, aspiring to develop a readable architecture inscribed in an economical reality.


Matière Morte




[Sacralité]. De la thématique au processus de conception, nous abordons à travers notre position d’architecte, l’action de sacraliser. Quelle est notre capacité à rendre sacral, à revêtir d’un caractère sacré ?

Signifier la verticalité. L’atmosphère d’un paysage intérieur qui, contenu sur lui-même, s’ouvre à l’immensité du ciel. En réaction à cela, nous explorons l’élancement d’éléments de matière sublimant cette relation fondamentale entre la terre et le ciel.

Cristalliser une matière morte. La matière peut être retirée d’une fonction à laquelle celle-ci répond, devenant une matière morte, sans que celle-ci le soit réellement. En ce sens, nous croyons en la capacité à se saisir de cette matière morte comme ressource à cristalliser.

Exécuter les rites. Le processus constructif est la succession d’une pluralité d’actes. Dans le respect de l’ordre de chacun de ces gestes, l’élévation de l’œuvre bâtie en est la finalité.

Sacraliser la matière. L’œuvre que nous projetons est composée de monolithes. La massivité et l’échelle de ces éléments dépassent celles de l’être conscient. Les monolithes s’élancent et se taisent face à l’immensité du ciel.



[Sacrality]. From the theme to the design process, we approach, through our role of architects, the act of sacralize. How able are we to make something become sacred, to endow it with a sacred nature?

Showing the verticality. The atmosphere of an indoor landscape that, contained on itself, opens onto the immensity of the sky. In response to this, we explore the towering of elements of material that exalt this fundamental relationship between the Earth and the Sky.

Crystallizing a dead material. Material can be removed from an intended function, becoming a dead material, without being actually dead. Accordingly, we believe in the fact to use this dead material as a resource to crystallize.

Performing the rites. The construction process is the succession of a plurality of acts. In accordance with the order of these gestures, the elevation of the built work is its ultimate goal.

Sacralizing the material. The work we project is composed of monoliths. The massive scale of these elements exceeds that of conscious beings. The monoliths soar up and stay silent in the face of the immensity of the sky.



YET Architecture

KATLIARSKAYA  Anastasiya  et KATLIARSKI Ilya
Israël // Biélorussie


Anastasiya Katliarskaya et Ilya Katliarski sont des architectes expérimentaux et les fondateurs de "YET Architecture". L'objectif principal du studio est de contribuer au processus de développement global et de proposer des solutions aux demandes actuelles et futures à travers l'architecture en travaillant sur des concours, des projets spéculatifs, des installations et des événements éducatifs. Anastasiya est titulaire d'une maîtrise avec distinction en technologies émergentes et design de l'Architectural Association School of Architecture (Londres, Royaume-Uni). Ilya est titulaire d'une maîtrise du laboratoire de recherche en architecture et urbanisme (DRL) de l'Architectural Association School of Architecture (Londres, Royaume-Uni). Leurs œuvres ont été marquées lors de concours internationaux, dont le prix YAC et PNUD dans la nomination « Villes vertes », ainsi qu'exposées à la Dutch Design Week et à la Minsk Design Week.
Ilya et Anastasiya ont travaillé sur le développement des espaces publics par la création d’un pavillon interactif dans différentes villes tel que Minsk, Londres mais aussi en Espagne et en Israël.


Anastasiya Katliarskaya and Ilya Katliarski are experimental architects and founders of “YET Architecture”. The main goal of the studio is to contribute to the process of global development and propose solutions for modern and future requests through architecture by working on competitions, speculative projects, installations, and educational events. Anastasiya holds a Master’s Degree with Distinction from Emergent Technologies and Design from the Architectural Association School of Architecture (London, UK). Ilya holds a Master’s Degree from the Architecture and Urbanism Design Research Lab (DRL) from the Architectural Association School of Architecture (London, UK). Their works have been marked at international competitions, including YAC and UNDP prize in the nomination «Green cities» as well as exhibited in Dutch Design Week and Minsk Design Week.  Ilya and Anastasiya were working on the development of the public spaces, creating pavilions for people’s interaction in Minsk, London, Spain and Israel.

Washi Paper Pavilion




Le pavillon est un cylindre, une enveloppe constituée d’un matériau homogène, sans contraste avec l’environnement qui l’entoure, notamment le papier. L’espace intime crée comporte des ouvertures qui dégagent des perspectives sur le mouvement des personnes, les détails architecturaux et le ciel en constante évolution.

Une fois démonté, le pavillon de papier peut être recyclé, prolongeant sa durée de vie tout en n’ayant aucun impact sur l’environnement.

Structurellement, le pavillon se compose d’un cadre en contreplaqué et d’un filet de bâtons de bois. La « peau » du pavillon est créée à partir de 42 modules courbés fabriqués sur mesure en utilisant la technique japonaise du Washi Paper. La forme est préconçue et imprimée en 3D à l’avance afin d’être utilisée comme moule pour le papier. Les bâtons en bois sont reliés entre eux avec des modules de papier à l’aide deux joints conçus sur mesure et imprimés en 3D pour conserver la forme du papier et ajouter de la rigidité à l’installation. 



The pavilion is a cylinder, an envelope consisting of homogeneous, not contrast to the surrounding, material, particularly paper. The created intimate space has openings which open up perspectives on people's movement, architectural detail and constantly changing sky.

Once disassembled, a paper pavilion may be recycled, extending its lifespan while having no environmental impact.

Structurally the pavilion consists of a plywood frame and a net of wooden sticks. The skin of the pavilion is generated from 42 curvy custom-fabricated modules using the Japanese technique of washi paper. The form is predesigned and 3d printed in advance and used as a mould for the paper to repeat. Wooden sticks are connected with each other and with paper modules with two custom-designed and 3d printed joints to keep the shape of paper and add stiffness to the installation.




SCHAENGOLD David - TRYON Jerome

Seattle // États-Unis


Enfants, Jérôme et David vivaient tous les deux dans la région des Four Corners, dans le sud-ouest des États-Unis. Malgré le partage de cette géographie célèbre, ainsi qu'un ami commun dans l'enfance, ils ne se sont pas connus jusqu'à ce qu'ils passent tous les deux un été à Rome pendant leurs études d'architecture.
À Rome, Jérôme et David ont découvert un intérêt commun pour l'architecture sacrée et pour l'expression du temps et de la mémoire dans l'architecture. Leur premier projet collaboratif a été l'exposition "In Memoriam" à la Yale School of Architecture, dans laquelle les architectes ont été invités à concevoir leurs propres tombes.
À l'heure actuelle, Jerome travaille comme membre de la faculté de la Yale School of Architecture tout en poursuivant des projets de conception individuels. Sa première exposition personnelle, à l'Institute for Classical Art and Architecture de New York, a ouvert ses portes en janvier 2023. David travaille en tant que PDG et designer principal pour Radiopaper, une startup de réseau social.


As children, Jerome and David both lived in the Four Corners region of the southwestern United States. Despite sharing this famous geography, as well as a common friend, in childhood, they did not become acquainted until they both spent a Summer in Rome during their architectural studies.
In Rome, Jerome and David discovered a shared interest in sacred architecture, and in the expression of time and memory within architecture. Their first collaborative project was the exhibition “In Memoriam” at the Yale School of Architecture, in which architects were invited to design their own tombs.
At present, Jerome is working as a faculty member at the Yale School of Architecture while also pursuing individual design projects. His first solo exhibition, at the Institute for Classical Art and Architecture in New York, opened in January 2023. David works as the CEO and principal designer for Radiopaper, a social networking startup.

The holy wells




Les fontaines de dévotion représentent un très ancien type d'espace sacré, associé à l'Europe pré-chrétienne ou, au moins, pré-16ème siècle. Il y a quelque chose d'intuitivement et inévitablement sacré à propos d'une fontaine, avec son obscurité profonde et le scintillement de l'eau reflétée au fond. Cela explique peut-être aussi la présence de fontaines magiques et/ou maléfiques dans le folklore et les contes de fées. Ils semblent être des portails vers d'autres mondes.

Dans la cour de l'Hôtel de Lunas, un espace moderne précoce et proto-séculier, nous introduisons six de ces fontaines superstitieuses, qui sont également des tours, élevées vers les cieux, comme un clocher ou un minaret.

Et bien qu'elles soient en effet des portails vers un autre monde, cet autre monde est celui que nous traversons habituellement sans y penser : le monde qui est le visage d'une autre personne. Chaque tour-fontaine, tout en étant un objet isolé, est reliée par des miroirs et une perspective forcée à une autre tour-fontaine. Il est surprenant de regarder dans une fontaine et de voir un visage qui n'est pas le nôtre. C'est une expérience qui nous amène à nous attendre à de la magie. Et c'est bien le cas. Bien que le visage d'un étranger soit l'une des vues les plus ordinaires du monde, il n'en demeure pas moins une vue dont la qualité sacrée est facile à croire. Ces fontaines de dévotion montrent une compréhension possible du sacré : voir le visage d'une autre personne.



Holy wells are a very old kind of sacred space, associated with pre-Christian, or at least pre-16th-century Europe. There is something intuitively and inescapably numinous about a well, with its deep darkness and the glimmer of reflected water at the bottom. This explains, perhaps, also, the presence of magical and/or evil wells in folklore and fairy tales. They seem like portals to other worlds.

In the courtyard of the Hôtel de Lunas, an early modern and proto-secular space, we introduce six of these superstitious wells, which are also towers, lifted towards the heavens, like a steeple or a minaret.

And while they are indeed portals to another world, that other world is one we ordinarily pass by without thinking: the world that is the face of another person. Each tower-well, while standing alone as an object, is linked by mirrors and forced perspective to another tower-well. It is surprising, looking into a well, to see a reflection of a face not your own. It is an experience that leads one to expect magic. And so it should. While the face of a stranger is one of the most ordinary sights in the world, it is nonetheless a sight whose sacred quality is easy to believe in. These holy wells show one possible understanding of the sacred: to see the face of another person.